La prima scena di Principessa Mononoke mostra una creatura che gli umani chiamano «divinità maligna». Ma le sue parole dicono altro: «Dannati luridi umani, conoscerete la mia sofferenza e il mio odio!». Secondo ArteSettima, non è soltanto una minaccia: è una confessione. Il mostro non dichiara di essere malvagio per natura, rivela la causa della sua furia. Con questa apertura Miyazaki spiazza volutamente lo spettatore: il nemico ha le sue ragioni.
Né buoni né cattivi
Il tono del film è fissato fin dai primi fotogrammi. Non c’è uno scontro semplice tra bene e male, ma una catena di dolore e rancore che parte da una ferita originaria e si allarga fino a diventare vendetta. Chi guarda è costretto a cambiare prospettiva: invece di cercare il colpevole, deve capire da dove nasce la sofferenza e come si trasmette da un personaggio all’altro. È un modo di raccontare il conflitto che rifiuta le scorciatoie e chiede di stare dentro la complessità.
L’animazione come lente
Per la rivista, il film funziona come uno strumento di osservazione più penetrante del documentario tradizionale. Un racconto realistico mostra come stanno le cose; Miyazaki invece ne svela i meccanismi profondi: come agiscono le forze in gioco tra natura e intervento umano, quali compromessi nascono dalla lotta per sopravvivere, come il progresso possa cancellare la memoria. L’animazione toglie le barriere di tempo e di luogo che separerebbero lo spettatore dai fatti, e gli permette di vedere non solo il risultato della distruzione ma il processo che la produce.
Più forte del realismo
È proprio questa libertà a rendere il messaggio più potente di quanto potrebbe fare un racconto realistico. Grazie al disegno, il film può rendere visibili sentimenti, ferite e rapporti di forza che la macchina da presa faticherebbe a cogliere. Così una storia fantastica diventa un’occasione per riflettere sul nostro rapporto con l’ambiente e sul modo in cui il dolore, se non viene compreso, si trasforma in violenza.
