Davide Genna, artista italiano noto per il suo lavoro interdisciplinare, presenta un’opera che mescola memoria e immagine, trasformando l’immagine in archivio di una crisi senza tempo. Il suo lavoro si colloca all’incrocio tra arte e pensiero, tra storia e contemporaneità, rendendo tangibile ciò che altrimenti rimarrebbe invisibile. L’artista si muove tra due dimensioni: quella artistica e quella critica, in cui l’immagine non è solo un oggetto ma un dispositivo per interrogare il presente e il passato. La sua pratica è un’interrogazione su come la memoria si materializza, e come l’immagine possa diventare un archivio di una società in transizione.
Un metodo tra selezione e rimontaggio
Genna opera con un metodo descritto come artigianale e visionario, in cui i materiali vengono selezionati, accumulati e rimontati in nuove configurazioni. Questo processo non segue una narrativa lineare, ma si struttura come una stratificazione cronologica, dove ogni livello visibile rappresenta un momento storico o emotivo. La temporalità è il fulcro di questa pratica creativa, e ogni lavoro è un accumulo di frammenti che si sovrappongono e si riconfigurano, creando una sorta di archivio visivo di eventi e sentimenti. Questo processo di selezione e rimontaggio non è casuale: è un’operazione di cura e di riconoscimento di un passato che non è mai realmente concluso.
Il corpo come archivio visivo
L’opera Half End of the West è il fulcro di questa ricerca. L’immagine del corpo femminile disteso non è solo un riferimento storico, ma un dispositivo critico che interroga la società. L’artista utilizza una citazione di Klimt come punto di partenza, ma la trasforma in una masticazione meditata di saperi artistici. La superficie corporea diventa un archivio visivo dove convivono crisi economica, tragedia mediatizzata e intrattenimento, senza gerarchia né giudizio. L’artista non cerca di denunciare direttamente, ma di mettere in mostra i meccanismi che governano il nostro modo di vedere e di sentire. Il corpo non è solo un oggetto, ma un luogo di memoria e di intervento.
Ordine e caos in equilibrio
Nonostante l’apparenza caotica, l’opera è governata da una geometria interna che ordina e struttura. La densità tematica non smorza la formalità, ma la rende più intensa. Le deformazioni anatomiche e le fragilità corporee si uniscono a una levità perturbante, che evoca un errore originario. Le figure a occhi chiusi, moltiplicate sulla superficie, rendono visibile ciò che rimane invisibile: una memoria della colpa che attraversa l’intero lavoro. Questo equilibrio tra ordine e caos non è un’illusione, ma un risultato del lavoro creativo e critico dell’artista. L’opera non è solo un’immagine, ma un dispositivo per interrogare come la memoria si colloca e si materializza nel tempo.
