Alla GAM di Torino le curatrici Chiara Bertola e Virginia Lupo hanno costruito la mostra attorno a un passaggio preciso nel lavoro di Agnetti: il momento in cui l’analisi dei linguaggi si trasforma nella loro esplosione dall’interno. L’artista continua a interrogarsi sul potere delle forme, ma cambia tono. Il segno non descrive più la realtà, ne registra la mancanza e fa di questa mancanza una forza. È una svolta decisiva nel suo percorso.
Fotografie da cui sparisce l’immagine
Le Photo-graffie, realizzate tra il 1979 e il 1981, sono il cuore di questa trasformazione. Agnetti espone la pellicola fino a renderla completamente nera, cancellando ogni possibilità di registrare qualcosa. Ma non si tratta di pura negazione: sul fondo scuro interviene un graffio, una traccia minima che non riporta indietro l’immagine perduta, piuttosto produce una «micro-emersione locale del simbolo, sottraendolo definitivamente alla logica rappresentativa». La fotografia smette di documentare e diventa il luogo in cui l’immagine esiste solo come assenza.
Feltro e vetro
I lavori su feltro e su vetro spingono ancora più in là la stessa strategia. Il tessuto, morbido e assorbente, toglie rigidità alle parole e le rende fragili, sempre reversibili. Le superfici trasparenti non fanno da supporto neutro: creano disturbi nella percezione, e il rapporto tra dentro e fuori non produce profondità ma interrompe il significato. Anche l’allestimento partecipa al gioco, mantenendo le opere in una visibilità controllata che impedisce di fissarle una volta per tutte.
Creare cancellando
Agnetti non ha mai cercato di arrivare a un’immagine compiuta: la sua ricerca indaga le condizioni che la rendono impossibile. Su questo asse creare e cancellare finiscono per coincidere, e ciò che resta è il residuo di un processo di sottrazione condotto con metodo. Per questo la rassegna torinese non è una celebrazione, ma il tentativo di rimettere in moto un pensiero ancora attivo e capace di parlare al presente.
