Self, del 1978, riassume bene lo stile di Martin Puryear. Intagliata nel mogano e nel cedro, la scultura non dice nulla dell’aspetto dell’artista: la sua superficie nera e sinuosa sembra respingere lo sguardo invece di accoglierlo. Non è un caso, ma il fondamento di molte sue opere. La forma seduce con curve eleganti e un’esecuzione perfetta, ma rifiuta di spiegarsi. È un atteggiamento che ha anticipato una tendenza di oggi, quella che nei comunicati sui giovani scultori esalta l’opacità come valore estetico.
La mostra
Martin Puryear: Nexus (2025-2026), al Museum of Fine Arts di Boston e poi al Cleveland Museum of Art, lo presenta come una figura chiave della scultura degli ultimi decenni. Curata da Reto Thüring ed Emily Liebert, mostra quanto abbia influenzato generazioni di artisti. La sua presenza alla Biennale di Venezia del 2019, per gli Stati Uniti, aveva già confermato la sua fama. Eppure fino a poco tempo fa la critica lo leggeva solo in chiave formale, attribuendogli l’idea che «l’opera è l’informazione» senza chiedersi quale informazione trasmettesse davvero.
I titoli come chiavi
Basta guardare i titoli per cambiare lettura. A Column for Sally Hemings (2021) unisce una maniglia di ferro a una colonna di marmo scanalato: il contrasto tra metallo scuro e pietra bianca evoca il rapporto non consensuale tra la donna schiavizzata e Thomas Jefferson, una storia che la superficie liscia non lascia intuire. Quadroon (1966-1967), un’acquaforte divisa in quattro parti di cui una sola nera, richiama una vecchia classificazione razzista. L’identità di Puryear, uomo nero nell’America del dopoguerra, non è mai stata separata dal suo lavoro.
Dalla figura al simbolo
Negli anni Sessanta l’artista realizzò poche opere figurative, come Head (1965), una xilografia con la testa di un uomo nero sopra il logo di ARTnews, rivista che raramente dedicava copertine ad artisti neri: una sfida ai critici bianchi convinti che identità ed esperienza non contassero nell’arte. Negli anni Settanta le figure umane sparirono quasi del tutto, ma i riferimenti storici rimasero nei titoli: Some Lines for Jim Beckwourth (1978) ricorda un commerciante di pellicce nato schiavo; Nexus (1979) è un ramo di cedro piegato a cerchio con le estremità dipinte di nero e di bianco. Colori che non sono decorazione, ma tracce di una riflessione che attraversa tutta la sua carriera.
