Fin dall’inizio lo spettacolo gioca con la percezione: una luce fortissima investe sia il palco sia la platea e cancella il confine tra finzione e realtà. Il pubblico si trova a essere visto quanto gli attori, e il piano poetico si mescola a quello concreto. Non è una scena che si limita a rappresentare: diventa uno spazio in cui tocca a chi guarda cercare i significati più profondi.
Il potere e le sue ombre
Marco Martinelli costruisce il testo sulle contraddizioni di un artista ricordato soprattutto per la sua grandezza. Mostra l’influenza che Bernini aveva negli ambienti della Curia e la sua rivalità con Francesco Borromini. Ma emerge anche, come dice il copione, «il piglio arrogante, autoritario» che lo spinge a non pagare quanto pattuito a Francesca Bresciani, esperta intagliatrice di lapislazzuli. Il maestro appare così capace di prepotenza economica e di abuso del proprio prestigio, tanto che l’artigiana è costretta a chiedere giustizia ai cardinali.
Una bottega fuori dal tempo
La scenografia ricostruisce un laboratorio senza un’epoca precisa, chiuso da un grande telo bianco, con un blocco di marmo al centro e grandi casse di legno. Dentro le casse ci sono schermi per le proiezioni video, mentre luci, ombre e suoni creati apposta modificano la percezione dello spazio e delle parole. L’ambiente diventa parte del racconto, un prolungamento della ricerca dell’autore.
Il gesto come filo comune
Nel finale lo spettacolo torna sull’anima più profonda di Bernini: non solo scultore, pittore e architetto, ma anche uomo di teatro. Le sue opere, da Apollo e Dafne all’Estasi di Santa Teresa, rivelano la stessa ossessione del teatro di oggi per il gesto del corpo e per la dimensione dei sensi. Questo legame permette a Martinelli di mostrare come, sotto la facciata sacra e ufficiale, ci fosse prima di tutto una spinta espressiva legata alla carne e all’azione umana.
